Si te interesa el arte, este otoño va a ser la época ideal para recorrer los museos y galerías de Madrid. Hemos seleccionado para ti las exposiciones que nos parecen imprescindibles.
Roy Lichtenstein. Posters
¿Cuándo? hasta el 5 de enero de 2019. Entrada libre/ Laborables y festivos: 11:00 – 20.00 h. Miércoles: hasta las 15.00 horas
¿Dónde? En la Fundación Canal de Madrid
La exposición ofrece una aproximación a la obra de Lichtenstein (Nueva York, 1923-1997) desde un punto de vista sumamente novedoso: la presentación de gran parte de sus carteles más representativos -y otros desconocidos por el público agrupados según la finalidad para que fueron diseñados.
Como uno de máximos exponentes del Pop Art, Lichtenstein se inspira en la sociedad de consumo, la vida cotidiana y la cultura de masas, utilizando para ello la publicidad, el cine, los comics y las revistas populares.
Gracias a sus carteles, que estaban repartidos por las vallas y las paredes de las calles de ciudades como Nueva York o París, ya no era necesario acudir a los museos o galerías para disfrutar de las creaciones de Lichtenstein.
La exposición La muestra, dividida en seis secciones temáticas, agrupa los 76 carteles que la conforman según la finalidad para la que fueron diseñados, y en ella podemos advertir cómo crea, altera o repite los motivos principales de los carteles atendiendo a las diferentes circunstancias del encargo.
“Carteles para exposiciones en museos” es la primera sección de la muestra. En ella se recoge más de una decena de posters diseñados por Lichtenstein con motivo de las exposiciones que le dedicaban museos tan importantes como el Guggenheim de Nueva York, el Moderna Museet de Estocolmo o la Tate Gallery de Londres.
La sección “Carteles para exposiciones en galerías de arte” incluye una selección de posters creados por Lichtenstein para promocionar sus exposiciones en diferentes galerías, como la Galerie Beyeler de Basilea (Suiza) o la Ace Gallery de Los Ángeles.
Si hubo una galería clave para Lichtenstein fue la de su representante “Leo Castelli”, hasta tal punto de que los carteles que hizo para promocionar las exposiciones en su galería merecen una sección propia y se encuentran entre los más destacados de su producción.
El apartado destinado a los “carteles creados por museos con consentimiento del artista” refleja la importancia del diseño gráfico para Lichtenstein, disciplina en la que trabajó durante años en el mundo editorial, y la unión que existe entre ambos.
Otro de los apartados de la muestra se adentra en los carteles que Lichtenstein hizo tanto para dar a conocer diversas causas políticas y sociales, a las que fue dedicando progresivamente más tiempo una vez convertido en una de las principales figuras del arte de la segunda mitad del siglo XX.
En la última sección, “Carteles para acontecimientos culturales”, se encuentran los carteles que elaboró Lichtenstein para dar a conocer eventos y celebraciones de todo tipo, desde aquellos relacionados con el mundo de la cultura y el espectáculo hasta diferentes acontecimientos deportivos.
Entrada libre. Laborables y festivos: 11:00 – 20:00 h. Miércoles: hasta las 11:00 – 15:00 h
Redescubriendo el Mediterráneo
¿Dónde? en la Fundación MAPFRE, Paseo de Recoletos, 23 Madrid
¿Cuándo? Hasta el 13 de enero 2019
Esta exposición propone un recorrido a través de pinturas y esculturas de finales del siglo XIX y principios del XX que convirtieron el Mediterráneo en motor de renovación del arte.
El Mediterráneo, gran protagonista de esta muestra, se convierte así en un símbolo de reconciliación con el pasado y en un lugar de libertad artística para la creación y evolución del arte moderno. De una manera u otra, los artistas presentes en la exposición, tomaron el Mediterráneo, sus aguas y su cultura como uno de los motivos principales en sus composiciones.
El recorrido de la muestra, compuesto por 138 piezas, comienza con la sección España, donde el litoral es, en ocasiones, un lugar para el trabajo pero sobre todo un espacio para el placer, el baño y el juego, escenarios muy habituales en las obras de artistas como Joaquín Sorolla, Cecilio Pla o Ignacio Pinazo, entre otros.
Sin embargo, nacer en el Mediterráneo también parece proporcionar unas marcadas señas de identidad. Así lo entendió, en Cataluña, el noucentisme, con Joaquín Torres-García y Joaquim Sunyer a la cabeza, artistas que crearon un ideario y una imagen nacional basada en paisajes tranquilos y equilibrados, así como en una vida sencilla y natural heredera de una antigüedad inmutable.
La visión de este mundo idealizado en los artistas catalanes Joaquim Mir o Hermen Anglada Camarasa durante sus estancias en Mallorca se aproxima más a la de los pintores franceses. En este sentido, la isla se convierte en un símbolo de esa Arcadia que tanto anhelan, pero también en un espacio en el que experimentan con los colores puros, donde se dejan seducir por la naturaleza y donde buscar la luz clara.
Esa misma experiencia es la de Monet a su llegada a Bordighera, como también la de Signac en Saint-Tropez o Derain en L’Estaque, del Braque de antes del cubismo, de Renoir en Les Collettes o de Pierre Bonnard en Le Cannet. Sin embargo, para italianos como De Chirico, Carlo Carrà o Massimo Campligi, con los que continúa el recorrido expositivo, el Mediterráneo parece más bien una idea: un concepto que preside la manera de pintar y que sin duda favorece el reencuentro con el clasicismo y sus propias raíces.
Tanto la obra de Matisse como la de Picasso, con quienes se cierra la exposición, aglutinan aspectos de los pintores anteriormente citados, como si con ellos el Mediterráneo llegara a su culminación. Por un lado, la placidez que transmiten las composiciones de Matisse, con su gusto por la pintura y por la vida.
Por otro, la ambivalencia de las obras de Picasso: narrativas algunas, también clásicas y primitivas a un tiempo, donde se muestra toda la agresividad y la melancolía del artista, de una vida.
Mientras Matisse celebra la naturaleza, Picasso parece no encontrar reposo y alterna estilos, buscando, sin hallarlo, el deleite de la pintura. Esta es la dialéctica que se encuentra en el seno del clasicismo, de un lenguaje al que los artistas vuelven una y otra vez mientras se abren a la modernidad.
Tamara de Lempicka. «Reina del Art Decó»
¿Cuándo? Hasta el 24 e febrero del 2018
¿Dónde? en el Palacio de Gaviria de Madrid
Comisariado por la experta Gioia Mori —quien ha dedicado una década al estudio de la artista polaca—, este proyecto expositivo recorre la trayectoria de la «Reina del Art Decó».
La retrospectiva, que incluye en torno a 200 piezas procedentes de más de 40 colecciones privadas, museos y prestatarios.
Tamara de Lempicka (Polonia, 1898 – México, 1980) desarrolló un estilo característico de la época, marcada por la estética de los años 20 con sus motivos geométricos, colores brillantes y formas rotundas.
El art decó, un estilo clásico, simétrico y rectilíneo que alcanzó su mayor apogeo entre 1925 y 1935, hundía sus raíces en movimientos anteriores como el cubismo y el futurismo, así como la influencia de la Bauhaus. Lempicka fue una de sus representantes más destacadas en el ámbito de las artes plásticas, para las que planteó toda una revolución.
“Entre cientos de pinturas, reconocerías las mías”, afirmaba la artista, “mi objetivo era: no copiar, crear un nuevo estilo… con colores luminosos y brillantes, recuperando a la elegancia a través mis modelos”.
Esta será la primera exposición retrospectiva dedicada a Lempicka en Madrid. Además, en cierta manera, constituye su vuelta a España después de un épico viaje que la artista realizó en 1932 a nuestro país y que tuvo gran calado en su obra y en el mundo artístico de la época.
Precio: 13 euros para adultos. Lunes, martes, miércoles, jueves y domingo de 10h a 20h
Viernes y sábados de 10h a 21h (La taquilla cierra una hora antes)
Dorothea Tanning. Detrás de la puerta, invisible, otra puerta
¿Dónde? Museo Reina Sofía Edificio Sabatini, 3ª Planta
¿Cuándo? Hasta el 7 de enero del 2019
Esta exposición constituye la primera retrospectiva que se realiza de la artista surrealista Dorothea Tanning (1910-2012, Estados Unidos) y ofrece una nueva perspectiva de la extraordinaria carrera y visión de Tanning tras varios años de investigación de la comisaria Alyce Mahon.
La muestra incluye más de 150 obras de arte creadas entre 1930 y 1997 -muchas de ellas nunca antes vistas por el público-, procedentes del colecciones privadas y de instituciones como el Centro Pompidou de París, la Tate Modern de Londres o el Museo de Arte de Filadelfia.
Todo este conjunto permite documentar la gama de medios y expresiones utilizados por Tanning: pinturas, dibujos, collages, esculturas e instalaciones.Como figura central de la vanguardia internacional con una enorme influencia en el arte y el diseño contemporáneos, Dorothea Tanning creía en el poder del arte para crear espacios, sensaciones e ideas más allá de lo real.
El motivo de la puerta simboliza esta ambición y regresa repetidamente en su obra. Es el concepto en torno al cual gira la exposición, cuyo título es una adaptación de una entrevista que realizó Tanning con el crítico francés Alain Jouffroy en 1974 y en la que explicó que su primer arte exploraba «este lado» del espejo o de la puerta, mientras que su arte posterior se dirigía al «otro», ofreciendo un «vértigo perpetuo» en el que una puerta, visible o invisible, conducía a «otra puerta».
La puerta no es simplemente un umbral en el arte de Tanning, sino una invitación a aventurarse más allá de lo real y a entrar en un mundo de sueños y miedos. Asistimos a una perspectiva interminable que no pretende alienar sino seducir al espectador.
Entradas 10 euros, 8 euros por internet. Lunes10:00 – 21:00 h Martes Cerrado, incluido festivos Miércoles – sábado 10:00 – 21:00 h Domingo Consultar horarios de apertura
El Museo del Romanticismo rescata del olvido a Rafael Tegeo
¿Cuándo?: Del 27 de noviembre de 2018 al 17 de marzo de 2019
¿Dónde?: Museo del Romanticismo. Calle de San Mateo, 13 (Madrid)
La exposición
El Museo del Romanticismo inaugurará en noviembre de 2018 la primera exposición monográfica que se celebra sobre Rafael Tegeo (Caravaca de la Cruz, 1798 – Madrid, 1856). Se trata de un artista fundamental en la escena artística de la primera mitad del siglo XIX, y uno de los primeros introductores de la sensibilidad romántica en la pintura española.
A partir de que el Museo del Romanticismo adquiriera la Virgen del Jilguero, pieza clave de su producción religiosa y una de las más depuradas pinturas de toda su producción, la institución puso en marcha la recuperación de la figura de este artista, poco conocido e inadecuadamente estudiado, a pesar de la importancia de su papel en la escena artística de su tiempo.
El catálogo, cuya edición está a cargo de los comisarios de la muestra, recorre los aspectos cruciales de la vida y de la obra de Tegeo a través de ocho ensayos de mano de los principales especialistas españoles y extranjeros de pintura de ese periodo.
Está pensada como una revisión integral del artista, que permita al público, en adelante, disponer de un volumen de referencia sobre este pintor.
Tegeo, el artista
Tegeo llevó a cabo su primera formación artística en Murcia, trasladándose después a Madrid para estudiar en la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Allí se educó en la pintura neoclásica de la mano del alicantino José Aparicio. Trabajó, además, ayudando a Fernando Brambilla, italiano afincado en España y pintor de cámara del rey Fernando VII. De esta forma, Tegeo se familiarizó con la pintura decorativa y de paisaje, temáticas que serían fundamentales para sus obras posteriores.
Beckmann. Figuras del exilio
¿Dónde? En el Museo Thyssen de Madrid
¿Cuándo? desde el 25 de octubre 2018 hasta el 27 de enero del 2019
El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta Beckmann. Figuras del exilio, la primera ocasión en más de veinte años de contemplar en España una exposición monográfica dedicada a este artista, uno de los más destacados del siglo XX.
Aunque próximo en sus primeras etapas al expresionismo y a la Nueva objetividad, Max Beckmann (Leipzig, 1884 – Nueva York, 1950) desarrolló una pintura personal e independiente, de signo realista pero llena de resonancias simbólicas, que se alzaba como un testimonio vigoroso de la sociedad de su tiempo.
Tras su presentación en el Museo Thyssen, donde cuenta con el patrocinio de la Comunidad de Madrid, podrá verse también en Barcelona, en las salas de CaixaForum, del 21 de febrero al 26 de mayo de 2019. Comisariada por Tomàs Llorens, la muestra reúne un total de 52 obras -principalmente pinturas, pero también algunas esculturas y litografías- procedentes de museos y colecciones de todo el mundo, incluyendo algunas de las piezas más destacadas de su producción como La barca (1926), Sociedad, París (1931), Autorretrato con corneta (1938), Ciudad. Noche en la ciudad (1950) o Los argonautas (1949-50), el tríptico que dio por terminado el mismo día en el que falleció prematuramente, en Nueva York.
La exposición está estructurada en dos secciones. La primera, de menor tamaño, está dedicada a la etapa vivida en Alemania desde los años anteriores a la Primera Guerra Mundial, cuando comienza a ser reconocido públicamente, hasta el ascenso del nazismo en 1933, cuando es destituido de su cargo en la escuela de arte de Fráncfort y se le impide exponer sus obras en público.
La representatividad e importancia en el conjunto de la producción del artista ha sido el principal criterio de selección de las obras reunidas en esta sección. En la segunda, más extensa y que recorre los años en Ámsterdam (1937-1947) y Estados Unidos (1947-1950), donde vivió tras verse obligado a abandonar Alemania, la elección de las piezas se ha realizado según un criterio temático: el exilio, tanto en sentido literal, por la propia experiencia vital de Beckmann, como figurado, por el significado que tuvo para él como condición básica de la existencia humana en general y del hombre moderno en particular.
Por este motivo, los cuadros alegóricos – a los que dedicó mayor esfuerzo y tiempo de trabajo (todos los trípticos y lienzos de gran formato que pintó son composiciones alegóricas) – son los más abundantes en esta selección.
Los retratos, paisajes y naturalezas muertas, géneros tradicionales que practicó a lo largo de toda su carrera, han sido elegidos también por sus resonancias alegóricas.
Entrada única: Colección permanente y exposiciones temporales:
– Entrada general: 12 €
– Entrada reducida: 8 € para mayores de 65 años, pensionistas y estudiantes previa acreditación.
– Entrada gratuita: menores de 18 años, ciudadanos en situación legal de desempleo, personas con discapacidad, familias numerosas y personal docente en activo. Venta anticipada en taquillas, en la web del Museo y en el 91 791 13 70
Bartolomé Bermejo
¿Donde? en el Museo del Prado
¿Cuando? hasta el 27 de enero
La sala C del edificio Jerónimos del Museo del Prado acoge esta exposición que contará con 48 obras procedentes de las colecciones de más de 25 prestadores. Pretende tributar un merecido homenaje y dar a conocer al gran público a Bartolomé de Cárdenas, alias el Bermejo (h. 1440-h. 1501), uno de los pintores más sugerentes y atractivos del siglo XV.
Bartolomé Bermejo fue una de las personalidades más fascinantes del panorama artístico de la segunda mitad del siglo XV y esta exposición reúne por primera vez la mayor parte de sus obras conservadas, repartidas por museos y colecciones de España, Europa y Estados Unidos como San Miguel triunfante sobre el demonio con Antoni Joan de Tous, procedente de la National Gallery de Londres o Piedad Desplà de la Catedral de Barcelona, entre otras.
Recordamos también que puedes aprovechar tu visita al Prado para ver, hasta el 13 de enero, la exposición Doce fotógrafos en el Museo del Prado
